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Montes Makgabeng, província da Africa do Sul.	A pintura do PERÍODO PALEOLÍTICO, conhecido também com IDADE DA PEDRA LASCADA, a primeira manifestação artística do ser humano, na visão dos historiadores, com datação bastante variada que vai de 2,7 milhões de anos até 10.000 a.C., era feita com substâncias minerais dissolvidas em água, gorduras animais e vegetais e aplicadas com as mãos e arremedos de pincel. Além dos rituais de caça, representaram também os rituais tribais. Esta é a reprodução de duas descrições circulares conhecidas da dança da cura ou do tranze.
Depois de atravessar o MESOLÍTICO, transição entre o lascar e o polir a pedra, o homem, que aprendera a desenhar, pintar e esculpir, continua a sua arte. No PERÍODO NEOLÍTICO surge uma diversidade de artefatos, representantes da sua cultura material (machados, enxós, pontas, polidores, equipamentos de moagens, os cigars ou raladores de vegetais, a olaria). O homem deixa de ser exclusivamente caçador e pescador, para tornar-se agricultor e criador. A sua crença não é mais dominada pela magia - agora acredita na alma e estiliza a sua arte que é francamente abstratizante. As construções são conhecidas os narugues, edificações em pedra, sem nenhuma argamassa em em forma de cone truncado. A cerâmica (em terracota- argila modelada e cozida em forno) aparece como atividade típica do período Neolítico.
	Na ARTE EGÍPCIA, não importa a expressão artística: desenhistas, pintores, escultores, todos passaram anônimos pela História - salvo raras exceções - porque não assinavam suas obras. O desenho obedece a Lei da Frontalidade, ou frontalismo: O rosto, as pernas e os são representados de perfil enquanto que, simultaneamente, o tronco é visto de frente. A arquitetura egípcia aliava imponência e simplicidade.
	A ARTE GREGA, adquire acentuada expressão figurativa, numa concepção matemática da beleza da forma. Duas características fundamentais deste estilo: por um lado a dimensão humana e o interesse pela representação do homem e, por outro, a tendência para o idealismo. A cerâmica é umadas manifestações artísticas mais representativas desta arte.É desta época o estilo das figuras negras e das figuras vermelhas.
Na fase HELENÍSTICA, a cultura grega se expande pelo Mundo Antigo. A regularidade harmoniosa e o equilíbrio sereno da fase clássica desaparecem, dando lugar a uma movimentação tumultuosa das formas, com um gosto acentuado pela dramaticidade.
Com o advento do Cristianismo nasce a simbólica PRIMITIVA PINTURA CRISTÃ, que vem da obscuridade e do temor das catacumbas. Enquanto o seu braço oriental a ARTE BIZANTINA expressa-se por majestosos mosaicos, feitos de pequenos cubos de pedra, as teselas.
	Na ARTE ROMÂNICA os temas mais freqüentes abordavam cenas retiradas do Antigo e do Novo Testamento e da vida de santos e mártires, repletas de sugestões de exemplos edificantes. Também não faltavam as alegorias dos vícios e virtudes, representadas por animais fantásticos. A deformação traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. Decoração da Bíblia com Iluminuras.
Na ARTE GÓTICA coloridíssimos vitrais filtram a luminosidade para o interior das igrejas. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. Encontramos neste período os PINTORES DO DUOCENTO – precursores do Renascimento: Gentile de Fabriano Giotto Cimabue Duccio
Desde 1430 os pintores já se valem da Tinta a Óleo, creditada à Jan van Eyck que pintou "O Casal Arnolfini".	A obra O NASCIMENTO DE VENUS é um dos símbolos do início do RENASCIMENTO. No período desenvolve-se uma pintura de modelatos como o Esfumatto de Leonardo da Vinci, aumentando consideravelmente a naturalidade das forma anatômicas enquanto que os cenários e a natureza de uma forma geral, ainda que representados com grande rigor científico, sofrem alterações e acomodações feitas pelo artista que os pinta em seu atelier, agora com telas e cavaletes que ajudaram na difusão das correntes estéticas uma vez que permitiram uma circulação mais fácil das obras.
Intimamente ligado à Contra Reforma, o BARROCO procura comover o espectador. São usados violentos contrastes de sombra e luz para obtenção de intensos efeitos expressivos, dramáticos, grandiloqüentes. O método favorito empregado pelo barroco para ilustrar a profundidade espacial é o uso dos primeiros planos super dimensionados em figuras trazidas para muito perto do espectador e a redução no tamanho dos motivos no plano de fundo. Outras características sãoo claro escuro acentuado, a tendência de substituir o absoluto pelo relativo, a maior rigidez pela maior liberdade, predileção pela forma aberta que parecem apontar para além delas próprias, ser capazes de continuação, um lado da composição é sempre mais enfatizado do que o outro.
	Literalmente, o ROCOCÓ é o barroco levado ao exagero. Eminentemente francês o termo, corruptela da palavra rocaille - concha- que é usada como um dos seus mais característicos elementos decorativos, expressa uma vida ociosa e requintada, o espírito galante e fútil da nobreza européia no sec. XVIII. O Rococó é também conhecido como o "estilo da luz" devido aos seus edifícios com amplas aberturas. Suas principais características: Cores claras, tons pastéis e douramento, representação da vida profana da aristocracia, representação de Alegorias e estilo decorativo.
No ROMANTISMO os artistas participaram de lutas sociais, colocando-se como líderes da humanidade. A Revolução Francesa e seus desdobramentos servem de inspiraçãopara uma arte dramática como pode ser percebida em Delacroix e Goya. Motivado pela fantasia e pela imaginação o artista tende a idealizar vários temas, tratando-os segundo sua ótica pessoal.O romantismo produziu uma pintura de grande força narrativa e de um ousado cromatismo, ao mesmo tempo dramático e tenebroso. A dramatização da pintura pela composição em diagonal foi uma forte característica pictórica do período.
	O REALISMO representa uma reação ao subjetivismo do romantismo. O artista do Realismo queria despertar o público para a realidade do mundo à sua volta e ser verdadeiro com o que observa. Para os realistas, os acontecimentos vulgares, a vida cotidiana, as pessoas simples eram as questões mais interessantes. Pelos temas banais, por vezes ofensivos, pelas cores por vezes, excessivamente mortas, pela falta de elaboração e conceitualização das composições foram acusados e reprimidos. No entanto, para os seus defensores, a representação da realidade era a última palavra em audácia artística.
A intimidade e o convívio com a natureza nos arredores de Fontainebleau sinalizam a recusa do grupo pelo artificialismo da vida urbana. No PLENAIRISME a renovação estilística empreendida pelo impressionismo encontra suas matrizes nos trabalhos precursores de Turner e Constable, nos artistas da Escola de Barbizon e nas paisagens de Corot e Courbet, partidários de novas formas de registro da natureza. O grupo de paisagistas franceses reunidos na Escola de Barbizon, a partir de 1830, usava sistematicamente a observação direta da natureza como recurso para as cenas que poduziam.
	Finalmente no IMPRESSIONISMO, a pintura é realizada plenamente ao ar livre, o que provoca uma alteração radical nas representações da natureza. A suspensão dos contornos e dos claro-escuros em prol de pinceladas fragmentadas e justapostas, assim como o aproveitamento máximo da luminosidade e o uso de cores complementares, tornar-se-iam as marcas do novo estilo pictórico.
No PONTILHISMO ou NEO-IMPRESSINISMOA LEI DOS CONTRASTES SIMULTÂNEOS ( Chevreul, 1839) formou a base para as pesquisas do grupo. Impõe-se então uma divisão entre: IMPRESSIONISTAS ROMÂNTICOS x IMPRESSIONISTAS CIENTÍFICOS.
O " cloisonnisme" (alveolismo) fechava as figuras com um traço negro.	Considerada a 1ª Grande Revolução Artística do sec. XX, o FAUVISMO ou FOVISMO, inspirou-se no grupo NABIS - "Os profetas" e levou a liberdade de cores até a completa transposição. A simplificação de formas em padrões amplos e a pureza cromática determinaram o "sintetismo" do período.
O SIMBOLISMO aparece aqui impregnado de uma tristeza pungente, transfigurando o mundo com uma nostalgia de sonho e mistério.
EXPRESSIONISMO FRANCÊS	EXPRESSIONISMO ALEMÃO
Paralelamente, exprimindo mais uma tendência do que um período propriamente dito, pois extrapola ao seu tempo, o EXPRESSIONISMO acentua a violência espontânea em reação às pesquisas estéticas do Impressionismo, com duas vertentes, a francesa e a alemã. A autonomia plástica, a deformação do estilo e o individualismo dos criadores é levado aos limites da loucura.
Entre os anos de 1907 e 1914 acontece então uma revolução estética tanto na pintura como na escultura - O CUBISMO. No CUBISMO ANALÍTICO desenvolvido por Picasso e Braque aparecem poucas cores: preto, cinza e alguns tons de marrom e ocre na adoção de um mundo monocromático. O mais importante era definir um tema e apresentá-lo de todos os lados simultaneamente em uma análise extrema, com exclusão de perspectivas. Essa tendência chegou a uma fragmentação tão grande dos seres, que tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura.
	Entre 1912-1913, as cores se acentuam e a ênfase dos experimentos é colocada sobre a recomposição dos objetos. O CUBISMO SINTÉTICO tende a criar imagens que são verdadeiros sinais coloridos. A alegria e a embriaguez do jogo sucedem a austeridade do período anterior.
Vários movimentos surgiram com base na nova estética, entre eles o ORFISMO, termo utilizado por Apollinaire querendo significar "jogos líricos". O dinamismo das cores e o contraste simultâneo, praticados sistemáticamente por Delaunay e outros artistas jovens já indica a formação do Abstracionismo na Europa.
Afirmando a primazia da velocidade, o FUTURISMO surge buscando a sensação dinâmica como tal. Violentamente polêmico, pretendendo abolir a arte do passado e pedindo a destruição dos museus exerceu forte influência, mais pela retórica do que pelas próprias obras.
A criação do Cabaré Voltaire, em Zurique, 1916, inaugura oficialmente o dadaísmo. Ao contrário de outras correntes artísticas, o DADAISMO apresenta-se como um movimento de crítica cultural mais ampla, que interpela não somente as artes mas modelos culturais, passados e presentes. Trata-se de um movimento radical de contestação de valores que utilizou variados canais de expressão: revistas, manifestos, exposições, entre outros.
	A importância do mundo onírico, do irracional e do inconsciente, anunciada já no texto inaugural do SURREALISMO se relaciona diretamente ao uso livre que os artistas fazem da obra de Sigmund Freud (1856-1939) e da psicanálise, permitindo-lhes explorar nas artes o imaginário e os impulsos ocultos da mente. É assim um movimento artístico de vanguarda surgido na França que buscava a exteriorização, lingüística ou plástica da espontaneidade e depurações de ordem racional ou moral. Opondo-se ao impulso anárquico de destruição proposto pelos dadaístas, o surrealismo pretendeu definir uma prática artística alternativa à tradicional. Mobiliza diferentes modalidades artísticas: escultura, literatura, pintura, fotografia, artes gráficas e cinema.
O SUPREMATISMO está diretamente ligado ao seu criador, Malevich, e às pesquisas formais levadas a cabo pelas vanguardas russas do começo do século. Rompe com a idéia de imitação da natureza, com as formas ilusionistas, com a luz e cor naturalistas e com qualquer referência ao mundo objetivo.
O NEOPLASTICISMO defendia uma total limpeza espacial para a pintura, reduzindo-a a seus elementos mais puros e buscando suas características mais próprias. Os experimentos realizados pelos artistas neoplásticos foram essenciais para a arquitetura moderna, assim como para a formulação do que hoje se conhece por design.
No TACHISMO o traço, a linha e a cor ainda guardam relação com o lirismo do Neoplasticismo. Defendendo a improvisação e o gesto espontâneo e instintivo coloca-se como uma tentativa de ultrapassagem tanto dos conteúdos realistas, quanto dos formalismos geométricos.
	No MATERISMO a ênfase da pesquisa recai preferencialmente sobre a matéria criando o que ficou conhecido também por TEXTUROLOGIA. De forte apelo ao tato - utilizam em suas pinturas, materiais pouco convencionais como cordas, papel, pó de mármore, etc.
O Expressionismo Abstrato chega ao seu auge na pintura de ação de Jackson Pollock: ACTION PAINTING. Descartada a noção de composição a obra é concebida como fruto de uma relação corporal do artista com a pintura, resultado do encontro entre o gesto do autor e o material.
	Com uma linguagem figurativa inspirada em objetos do quotidiano, utilizando processos técnicos mecânicos ou semi-mecânicos como a fotografia, a cópia xerox ( xerografia) e a serigrafia, a POP ART ou novo realismo toma todo o seu vocabulário do realismo social contemporâneo, como um neo-dadaismo.
Embora inspirada na Arte Cinética, a OP ART desenvolve os seus estudos exclusivamente em representações de duas dimensões. Investigou as possibilidades dos efeitos ópticos que davam sensação de movimento. Esses efeitos eram promovidos por determinadas combinações de cor e de intervalos entre as linhas.
A arte contemporânea, vigente até os dias de hoje, engloba uma pluralidade de movimentos e linguagens, que convivem paralelamente, todos especialmente reflexivos. Além da diversidade de propostas, as linguagens são diferentes entre si e, por vezes, contraditórias, evidenciando o caráter individualista. Antes, a arte moderna, que envolvia discussões coletivas, dialogava com o material plástico, interagia com ele - agora, a arte passa a dialogar com o pensamento plástico, a idéia da arte, tornando-se mais intelectualizada e hermética para o público. Do espectador exige-se maior atenção e um olhar que pensa. Ao artista cabe o pensar arte, inventar / reinventar arte, criticar arte.
A MINIMAL ART ou MINIMALISMO, extremamente reflexivo, fez uma recusa ao comercialismo. Os artistas passam a trabalhar com estruturas de grandes dimensões, fugindo da escala humana. A intenção era de denunciar que aquele objeto, inserido naquele lugar, era uma idéia estética, não um fato estético. As obras não valem por si próprias, mas apenas no contexto em que estiverem inseridas. A FORMA é, mais do que em qualquer momento da história da arte, mais importante que o CONTEÚDO.
	Contra a idéia de plano e projeto, assim como de uma tendência a pensar a história da arte como evolução linear, a TRANSVANGUARDA quebra as hierarquias entre diferentes linguagens, entre "alta" e a "baixa" cultura, não conferindo privilégio a nenhum estilo e recuperando, inclusive, perspectivas descartadas. As obras tendem à fragmentação e à combinação, algo eclética, de distintas referências.